Piano and String Quartet /UN ENTRETIEN AVEC FUMIYO IKEDA ET JEAN-LUC FAFCHAMPS

FUMIYO IKEDA : Cette oeuvre musicale, « Piano and String Quartet » de Morton Feldman, m’est un peu tombée du ciel, le jour où un quatuor à cordes canadien (le quatuor Bozzini) m’a contactée et m’a proposé d’y penser pour une chorégraphie. J’ai reçu cette proposition comme un cadeau et, d’une certaine manière, comme une sorte de mission. Je leur ai promis d’écouter cela.

Etrangement, il m’a d’abord été impossible d’écouter cette musique, de me concentrer dessus plus de cinq minutes d’affilée. Je devais sans cesse interrompre le disque pour passer à autre chose ! Il est vrai que je sortais d’une période d’étude de la musique de Bach, où tout était nettement plus clair : A, B , C, reprise, A’, variation ; tout une discipline et un plaisir de l’analyse musicale, partition en main, que j’avais appris chez Rosas. Avec la musique de Morton Feldman, je ressentais sans cesse une promesse et une attente, l’impression que quelque chose allait se passer, et que ce quelque chose n’advenait finalement jamais, ou que les choses ne tournaient jamais comme on pouvait s’y attendre et c’était terriblement angoissant — et je coupais. Mais je ne renonçais pas à ma décision, celle d’aller jusqu’au bout du disque ; je peux même dire que, à travers même mon inquiétude, la pièce m’intéressait de plus en plus.

C’est dans cet état d’esprit que je suis allé voir Ictus, dont je connaissais déjà tous les musiciens. J’avais besoin qu’on m’aide à l’écouter, même si au fond je savais qu’à cette oeuvre j’avais déjà dit « oui ».

A quelle dimension de l’oeuvre, au juste, avais-tu dit « oui » ?

F. I . : Je travaille depuis dix ans sur la mémoire. La mémoire consciente et la mémoire inconsciente. C’est exactement cela que je percevais chez Morton Feldman : sa musique donne toujours envie de dire : « Ah oui, ça je connais, ce moment je le reconnais ! » Au point que vous croyez pouvoir anticiper la musique, deviner la suite. Mais non, en fait… Au moment exact où la mémoire croit pouvoir saisir son objet, tout a légèrement changé. La figure s’est transformée. Et vous vous retrouvez …

… désorienté.

JEAN-LUC FAFCHAMPS : Désorienté, ou peut-être : désarmé ! Je suis moi-même professeur d’analyse musicale, et je sais très bien que cela nous « arme » intellectuellement pour aborder la musique. Mais avec Morton Feldman, cela ne marche pas du tout comme cela.

Peux-tu évoquer ta propre rencontre avec cette musique ?

J-L F. : Je suis sorti du Conservatoire, à 23 ans, après avoir étudié beaucoup d’oeuvres, et toujours des œuvres avec beaucoup de notes — j’avais notamment développé une passion pour Liszt ! C’est alors qu’un producteur de concert m’a proposé de jouer du Feldman, dont je ne connaissais encore que le nom. Cela devait se passer deux ou trois années avant sa mort, on parlait de ce compositeur comme d’un empêcheur de tourner en rond, comme une sorte d’antithèse de ce qui se faisait alors en Europe. Je suis allé dans un magasin de musique examiner les partitions de ce Feldman, et j’ai jugé de la longueur des œuvres, assez bêtement je dois dire, en fonction de leur nombre de pages : il me fallait 25 minutes, et l’une des partitions me semblait correspondre à ce volume puisqu’elle avait l’épaisseur de la Sonate de Liszt. Oui mais voilà : il s’agissait finalement d’une pièce d’une heure et demie ! Je l’ai jouée en concert et ce fut pour moi une révélation. Je découvrais qu’on pouvait donc faire de la musique sans être toujours dans l’attente de ce qui allait venir…

Une musique qui varie sans cesse, ce n’était pourtant pas nouveau…

J-L F. : Oui, mais Feldman ne compose pas des « variations » qui te mèneraient quelque part, tout en gardant en elles la trace de leur modèle. Ce sont plutôt des « variantes ». Mini-variante après mini-variante, petite différence après petite différence … qui errent, si je puis dire.

Et donc, Fumiyo, tu t’es adressée à Fafchamps en espérant te construire un outil chorégraphique à partir de ses ressources en analyse musicale ?

F. I : J’ai été vers Fafchamps, au fond, pour être bien certaine que je pouvais abandonner l’outil de l’analyse ! En écoutant la musique de Feldman, j’ai la même impression qu’en contemplant la mer : j’ai bien la certitude qu’elle restera là, mais c’est à peu près tout ce que je peux prévoir. Je sais bien que cela va changer, qu’il y aura marée haute et marée basse, mais je n’ai aucune idée du moment où cela surviendra. Du coup, je n’ai pas voulu travailler mesure par mesure, motif par motif. Je ne suis pas partie de la petite unité. J’ai cherché à construire une phrase très longue, au contraire, une phrase de quinze minutes. Cette phrase est composée de 135 mots.

Qu’est-ce qu’un « mot » chorégraphique ?

F. I. : Cela peut partir d’une partie du corps. J’ai un vocabulaire d’environ 60 mots qui partent du corps : un coude, un doigt, une lèvre, l’action de respirer. Et ensuite un vocabulaire de même volume à partir des animaux : le crocodile, par exemple. En dansant cinq fois ma phrase, je couvre à peu près la durée de la musique.

Tu ne te soucies pas de la musique dans son détail, alors ? Tu as disjoint danse et musique ?

F. I. : Non ! Je pourrais dire que cette phrase est devenue l’oreille à partir de laquelle j’entends maintenant, enfin, la musique. Au fond, j’ai dû chorégraphier cette musique pour pouvoir l’attraper. J’entends à présent toutes les différences. J’entends même des mots. Et quand des gestes que vous avez déjà vu reviennent plus tard, ils ne sont plus les mêmes.

J-L F. : L’arme de l’analyse ne pouvait pas marcher, elle a trouvé la sienne !

F. I . : J’ai ensuite découpé la phrase en 9 segments, pour pouvoir en varier l’ordre. Cette idée me semblait naturelle : il fallait évidemment re-combiner, appliquer une action sur la structure. C’était intéressant, mais j’avais l’impression de m’amuser seule. De même, j’avais utilisé une random-machine (un générateur de hasard) pour combiner mes 135 mots — car je trouve que la machine a souvent raison, en fait, lorsqu’il s’agit de produire les plus belles combinaisons — et j’aurais pu reproduire ce hasard en temps réel lors des performances. Mais à quoi bon ? A quoi bon ajouter des iPads ? La mer change d’intensité, mais les vagues restent les vagues. J’ai laissé tomber.

J-L F. : La répétition, dans ce contexte précis, crée plus de « différence » que la variation. Feldman était un grand collectionneur de tapis persans. Il faut visualiser ces travailleuses iraniennes qui confectionnent les tapis dans leurs cuisines, reproduisant leurs noeuds et leurs motifs à l’identique — mais en réalité, vous n’en trouverez jamais deux pareils. Il y a une nostalgie très proustienne qui se dégage de tout cela, l’impression que chaque geste est déjà un souvenir, même la première fois.

Feldman, collectionneur de tapis, disais-tu, mais aussi grand amateur d’art moderne…

J-L F. : Feldman serait sans doute devenu peintre s’il n’avait eu de si mauvais yeux. Il faut l’imaginer, lui aussi, les yeux collés à la partition, graphiant ses pattes de mouche. C’est un merveilleux paradoxe : cette musique pensée à une si grande échelle, qui ouvre des espaces si vastes, a été écrite laborieusement, le visage collé à la feuille.

Vous évoquez la grande échelle… La musique est-elle animée d’une grande courbe générale sur sa durée?

F.I. : Oui, et c’est pourquoi j’ai renoncé à rester exactement sur ma place, comme un sixième musicien. Il y a un changement de place qui rend compte d’une dramaturgie de la musique, malgré tout. Cette musique évoque toujours une sorte de distance. Et moi aussi, éventuellement, je prends mes distances d’avec les musiciens. Le piano, durant un très long moment, agit comme une sorte de déclencheur. Le quatuor vient en second. Mais les choses se renversent. Il y a un re-démarrage très émouvant, à un certain moment, où le quatuor semble trouver un « drive », un rythme de danse, …

J-L F. : … assez proche d’un rythme à cinq temps… Le piano ralentit un peu, la fin semble indéfiniment reportée, et le quatuor à cordes prend le premier plan. Il y a un point intéressant à noter : dans la mesure où le pianiste doit tenir la pédale du début à la fin de l’œuvre, il ne fait jamais entendre le silence. Il y a toujours une résonance qui traîne. Le quatuor, lui, peut s’arrêter et faire entendre le silence. Le quatuor a cette puissance de rythmer son et silence, à laquelle le piano n’a pas accès.

SEE ALSO THESE PROJECTS :

“Piano & String Quartet” will be part of larger events :
Jardin Des Secrets, Opéra De Lille, February 3, 2017
Saint John’s Eve, Handelsbeurs, Ghent, June 17, 2017

 15934750_10154455203974125_466166103_n.jpg
広告

久し振り…

新年おめでとうございます。

1年近くこのブログを更新していませんでした。言葉にしたい時と出来ない時…色々と自分の中であるようです。去年は谷崎潤一郎の『鍵』を舞台化して色々と勉強になりました。作品は満足のいくものでしたが作品自体は意外に売れませんでした。売れるものは何か?という基準で創っていないので仕方がないのかもしれません。しかしお陰で着物も一人で着れるようになったのは少し嬉しいです。もちろん難しい帯とかは出来ないんですけど…。

ローザスの仕事は新しい第4ジェネレーションの女性たちにローザス・ダンス・ローザスを教え始めています。もうこれはミッションなのかもしれないです。伝えるというより、どういう風にダンスを考えるか捉えるかを伝えたい、一緒に考えて行きたい、思考する経路を作りたいです。彼女たちは今年の6月末に初演を迎えます。このリハーサルもあり今年5月のローザスの日本公演は同行できないです。

今、取り組んでいるのは、モートン・フェルドマンです。彼のPiano and String Quartet を創作中です。聴こえてくる全ての音をシステム化しない、記憶に結び付けない、夢のように消えていく、しかしどこかに何かがあり続ける…そんな音楽です。海岸で波を見ている。干潮があり満潮がある。それはいつ変化するのだろうか。何かが起こりそうで何も起こらない。しかし常に色々なことが起こっている、でも何も大切ではなく、いつもの通りで全て忘れ去れて行く、そんな音楽です。

聴こえて来る音楽は単調で眠くなりそうですが、ミュージシャンは必死で目が点になっています。演奏するのはとても高度な難しい音楽らしいです。作者フェルドマン自身は初演のコンサートで自分の曲の間、居眠ってしまったらしい。聴くより演奏したり踊っている方が面白いというのは酷ですが…。今確かにこの曲で踊っていて楽しいです。部屋ではじっと聴けないのが不思議です。

今月の27日28日にブリュッセルで初演。その後は2月3日に北フランスのリールのオペラ座。6月24日にゲント公演の予定があります。今は劇場という空間ですが、将来は美術館や建物の一角でも踊ってみたいです。

https://www.kaaitheater.be/en/agenda/piano-and-string-quartet

https://www.ictus.be/ikeda

https://www.ictus.be/garden

IMG_1891.JPG

 

 

 

 

やっと今日は日曜日

ベルギーに帰国して1週間が過ぎました。今回の日本滞在では、9つのワークショップとP.A.R.T.S.の予選オーディション、クロスグリップの象の鼻テラス公演と盛りだくさんでした。

『ワークショップ』の感想は…3時間のクラスというのは長いようで短く、同じ人と集中的に何日間か共にできたら良いのになぁ…と思ってしまいます。伝える方も学ぶ方も消化するのに時間がかかります。理解できなくても、なんらかの仕分けが必要なものです。それでも解放されたみんなの笑顔を見れるのは嬉しかったです。

『P.A.R.T.S.予選オーディション』は参加者の少なさが始めは心配だったけれど、最終的に75名というエントリー数で、ニューヨークではその半分しか参加者がいなかったことを聞くとアジアは頑張りました。今回は参加者のレベルの差が激しく、はっきり言ってテクニックのレベルは低くかったです。ルールとしてテクニックはなくてもパーソナルワークに目を引く人には点数を追加して良いという規則もありますが、そういう人もいなく、定番のテクニック、存在感、パーソナリティー、向上的期待感の4つが的でした。4月の本選では英語でのインタビューや討論や演劇、読み聞き取りのレベルを見るテストもあり、ピルエットが3回回れて、足が高く上げれても何の価値もなく、1分間堂々と空間の真ん中に立って居れる自分を持てる方が大切になります。

『クロスグリップ』の象の鼻テラス公演は、2014年から始めたアップデートしていく作品の創り方で、やっと今回の3度目で加藤訓子さんと生演奏に持ち込むことができました。日本に住んでいない私とって、企画してくださった加藤みや子先生やHot Head Works/仙川ファクトリーアネックスの皆さんの協力がなくてはできない作品でした。また飛び立ってバラバラになったこの作品のメンバーとも、またどこかで会えると良いと思います。観に来てくださった方々、参加者、協力者の皆さんに心から感謝いたします。

今は谷崎潤一郎の『鍵』のリハーサル漬けです。来月の2月17日からブリュッセルのKVSで初演を向かえます。『鍵』だけではなく『陰翳礼讃』のテキストも使っています。『鍵』の舞台化だけが目的ではなく、西洋人から見た谷崎文学/日本という点や、古今東西、老若男女の問題に迫ります。すべて予定通りに進めば、来年もしかしたら日本公演が実現するかもしれません。

http://www.kvs.be/en/productions/de-sleutel

今年も皆さんにとって素敵な1年になりますように。5月にアーキタンツでゴールデンウィーク中にワークショップをやります。内容はまだ未定なのですが、また皆さんにお会いできることを楽しみにしています。

クロスグリップから©Hirohisa Koike

1P1A8978_DPP_ps_s.JPGIMG_6702_DPP_ps.jpg

1月4日P.A.R.T.S.予選オーディション©Miki Sato

DSC_0692.JPG

 

 

 

 

P.A.R.T.S.での生活

今回はP.A.R.T.S.の3年生に在学中の仁田晶凱君と橋本唯香ちゃんに最近の近況や今の生活をメールで少し話して頂いたのでお伝えします。

ブリュッセルに来て3年目、この地に住みP.A.R.T.S.で学んでいてどうですか?

唯香:『文化、言葉、たくさんの苦難があり、ただ憧れの海外生活、ダンス漬けの生活、といったわけではありません。しかしそれを経験することでまた新しい視野が広がったと思います。PARTSでは身体のトレーニングをするだけではなく、アーティストとして、1人の人間として、たくさんの知識を学びます。今まで自分がいかに薄っぺらく踊っていたか、生きていたかを痛感しました。日本の良いところ、悪い所、ブリュッセルの良い所、悪い所を見て、感じて、自分には知らないことがたくさんあるのだと、毎日刺激をもらっています。』

オーディションを受ける人たちに何かメッセージはありますか?

唯香『初めに言いたいことは、オーディションとは必ず結果があるものですが、必ずしも結果がすべてではないということ。自分が何をしたいのか、どうしたいのか、何か1つでも突き通したい自分の気持ち、何か自分にとって大切なものがある人はそれがきっと見ている人にも伝わると思います。オーディションだからよく見せようと思っても、なかなかうまくいきません。ありのままを自分を、恥ずかしがらずに表現することが大切だと思います。』

晶凱君には近況を尋ねてみました。

晶凱:『今は就活中で僕もいろいろなオーディションを受けています。学校に入る前には予想もできなかったほど大変ですが、学校の仲間の存在がすごく大きいので辛いながらも何とかやっていけています。』

予想もできなかったほど大変?

晶凱:『オーディションに落ちた時のメンタル面とかモチベーションを保たないといけないこととかですかね。 先行きは不安だけどなんとか明るく考えないといけないみたいな感じです。』

クラス中が、色んなオーディション受けてるんだね… 日本に戻らず、こっちで仕事が見つかったら、 そうしたいということだよね。 卒業後、自分たちのグループを作る人とかもいるでしょ?

晶凱:『そうですね、僕も将来は誰かとコレクティブに作品を作ったりしたいんですけど、まずは働く経験の方が大事かなと思って、オーディションをこれから受けていこうという感じです。とりあえず、もうちょいシャキッと頑張ります!』

卒業後の不安や期待や夢は付きものですが、彼らはこうしてブリュッセルで毎日、自分では想像出来ないくらいの沢山の事を吸収して過ごしています。オーディションにしても、数の多い年と、全くと言って良いほどオーディションがない年もあります。それでも行動力のある人はオーディションがなくてもインターンで入れないかとか手紙を書いたり作品を観に行ったりと頑張っています。やはり出会いは大切ですね。P.A.R.T.S.の良いところは在学中に自分の作品を小さいものから大きなものまで発表しなくてはいけなく、自分がダンサーだけでいたいのか、振付家になりたいのか、コレクティブな事をやりたいのか、それこそ、照明や衣装などの裏方にも興味があるのか、いろんな経験が出来る事でしょうか。自分のやりたい事が現実的に考えれます。卒業生の中にはグラフィックデザインの学校に入り直した人もいて、踊りながらポスターも装置も作っている人がいます。企画制作の方に才能があり、劇場のディレクターになった人もいます。どんなケースにしろ今の場所から一つ抜け出してみるのは良い事かもしれません。

そういう意味で1月4日のP.A.R.T.S.の予選オーディションも受かる受からないは別として何かを始める何かを別の方向から見るチャンスになるかもしれません。

自信なんか人と比べるからなくなっちゃうし、優越感から得たものは本物の自信ではないです。一番大切なのは行動に移す事です。行動に移す勇気です。行動してから考えたって大丈夫な事は沢山あります。考え過ぎるのは良くない。私だって自慢じゃないけどMUDRAのオーディションに受かった時は、ベルギーがどこら辺にあるのか、モーリス・ベジャールが誰なのかもよく知らなかったし、ましてや彼の作品も観た事がなかったです。でもあのオーディションを受けた事は私の人生を変えました。

 

http://a-tanz.com/4807

IMG_0465.jpg

 

 

ダンスのレベル

前回はP.A.R.T.S.のオーデションを受けたい方に対しての語学力について、私の意見を述べましたが、今日はダンスについて少し書きましょう。応募希望者でクラッシックバレエが出来なくても、或いはコンテンポラリーダンスの経験がなくても、或いはヒップホップやストリートダンスしか出来なくても、このダンス学校、P.A.R.T.S.に入学することは可能です。既にたくさんの実例があります。今年でP.A.R.T.S. も開校20周年を迎えました。色んな人材が集まり巣立って行き現在世界中で卒業生が活躍しています。

少し専門的な例になってしまうのですが、例えばクラッシックバレエでは、アンデオールが大切だということを学びます。でもカパッと開いただけの身体では使い物になりません。それはアンデオールではなくアジの二枚開きのようなものです。やはり抵抗感のあるアンデオール、らせん状に上下に伸びるアンデオールが一番美しのであって、見た目だけのアンデオールでは踊れないし、アンデオールが出来たのとは違います。足がたくさん上がってもアンデオール出来ていない人はいます。45度しか足が上げられなくても、90度程度しか1番に立てれなくても正しいアンデオールが出来ている人はいます。筋肉がそれなりにあり股関節が柔ければ、足も上がるだろうけど、それはアンデオールされたものではないです。

コンテンポラリーダンス、これは色んなスタイルがあります。戦後からのアートの流れがコンテンポラリーダンス、音楽、建築、美術……とカテゴリー化されてしまうのですが、その時代に表現しているものは流れの名どころなんか、何だって良いんです。あなたが踊っているそのものが、今の時代のものなので、それをコンテンポラリーと言います。com 共に(with)、 tempus 時代(time) つまりその時代と共にあるものです。芸術史的に言うと近代(モダン)のあとが現代(コンテンポラリー)ですが、コンテンポラリーという意味はとても素敵です。だから『コンテ』なんて略するのはもったいない。あとこれは日本でしか通じない略語なので、諸外国では通じません。

つまり私が言いたいのは、たくさんピルエットが出来なくても、足がたくさん上がらなくても、ジャンプが高く飛べなくても、どこかの『コンテ』のダンスカンパニーだと名乗っている人達とダンスをしたことがなくても大丈夫です。私は審査員代表として、そこは全く基準にしていません。

私が基準として見たいのは、その人のその場の立ち方であり、エネルギーであり、モチベーションであり、コミュニケーションであり、それらの行動力でしょうか…ただ立っていても伝わってくる磨いてみたい原石。そういう人を発掘したいです。

あとは各自のモチベーションとして、どうしてP.A.R.T.S.で学びたいのか、哲学的ですが、ダンスとは自分にとって何か、どうして踊っているのか、そういうことも面接で質問に出るかもしれないから考えてなきゃ…じゃなくて、これは常に考えるべきことだとも思うし、私も日々考えています。

http://a-tanz.com/4807

 

12308347_1051265921585768_8897571313384253772_n.png

 

 

 

 

 

 

語学力

来年の1月4日にP.A.R.T.S.の予選オーディションを田町にあるアーキタンツで開催します。今日はこのオーディションに挑戦する人たちに対して語学の話をしましょう。色々な国からダンサーの卵が集まるこの学校では英語でクラスが行われます。今回のオーディションでは英語のコミニュケーション能力をCEFR(英検のようなもの)のレベルB2以上であることを必要とされました。下記のサイトでは、10分くらいで自分のレベルが確認できます。

http://www.examenglish.com/leveltest/listening_level_test.htm (listening test)  http://www.examenglish.com/leveltest/grammar_level_test.htm (writing test).

文法の方は中学高校で英語を学んでいる日本人は大丈夫だと思いますが、聞き取りテストの方は耳が慣れてない人は大変かもしれません。

全然聞き取れなくても焦らないでください。英語会話をしなきゃいけない環境に慣れれば、喋れたり聞き取れるようになります。

私は日々、四カ国語を話します。フラマン語(オランダ語)フランス語、英語、日本語です。やってはいけないのは頭の中で母国に訳することでしょうか。だからフランス語で知ってる言葉が日本語で言えなかったり、英語で知っている言い回しがフランス語で言えなかったり、もちろん日本語の言い回しにぴったりなオランダ語が見つからなかったりします。ベルギーは英語もフランス語もオランダ語も通じるのでぴったしな言い回しがない時は混ぜて喋る人がいるくらいです。

これから留学したいとか、海外に行きたいという人にミニアドバイスです。

英語を話す時は英語だけで考えること。日本語を英語に変換しないこと。1日一つで良いから新聞の見出しでもコラムでも英語の文章を読むこと。今、使っている端末の(スマホなど)ひらがな入力をローマ字で打ちで変換させアルファベットに慣れること。あとは歌でも映画でも英語を聞くこと。出来たら英語を喋れる機会を持つこと。

どうしてダンス学校に留学するのに英語力が必要なのか…ですが、生活するために必要だけじゃなく、このP.A.R.T.S.という学校ではダンス史も美術史も哲学も音楽史もダンス演劇評論の授業もあります。(他にも色々なダンス以外クラスがあります)

『シリア問題や難民問題についてあなたの意見を言ってください』くらいの口頭質問はオーディションであるかもしれません。ダンサーだから社会問題に関心がないではまずいかもです。関心がないならどうして関心がないか自分の意見をしっかり言えなくてはいけません。

次回はダンスについて少しお話ししましょう。

http://a-tanz.com/4807

ぬりえ

私の娘は『ぬりえ』が出来ませんでした。                   シュタイナー教育を受けたせいか、彼女の性格なのか…輪郭の中に色を塗るという意味が理解出来なかったのです。シュタイナーでは輪郭を書かせません。色は3原色を混ぜさせて自分で色を作らせます。決められた形、輪郭の中に色を塗るのではなく、ヴォリュームがなんらかの絵になっていきます。

決められた型、決められたシステムに身をゆだねるのは、一つのメソッドです。型を真似てそこから学び飛躍させる。しかし一つ間違えたら受け身だけのメソッドになるなぁとも思いました。

型は壊すためにあり、それを守るだけになってはいけなく、そして型は常に流動的であるべきだと思います。土台もその場に根付く必要はなく、流動的であリ不安定であって良いんだと思います。

今回、子供のためのワークショップの指導を日本で経験させて頂くことが出来ました。ステップを覚えて踊るのがダンスだと思っている子供が多かったです。好きに自由に飛んだり跳ねたり回ったり歩いたりが難しかったです。即興性のある動きへの導きというか回路があまりないことがわかりました。これはダンスだけではないのだろうなぁと思いました。普段の勉強の仕方、遊び方に創造力や独創性が欠けて来ているのかもしれません。答えが一つしかない、結果が決まっている勉強や遊び方が多いのかもしれません。1+1=2になる結果だけを教えるよりも、1+1=2 にしようと決めた色んな理由を説明したほうが楽しく、本当の答えはないことを教えるほうが愉快です。色んな答えを考えさせる回路を学ばさせる方が大切です。

滞在日記

1ヶ月の滞在を終えて日本からベルギーに戻ったら、ベルギーも春らしくなっていて、気温が上がると初夏の匂いも漂います。道は汚いし、運転は滅茶苦茶だし、物乞いは多いし、人々はヴァカンスのことしか考えてないし、それでも好きな街だなぁ〜  日本に帰ってほっとするのとは違う安心感です。

今回は色んなことをこなして、色んな人に出会い、色んなことが次につながった気がします。大切にしたい。

まずRosasの日本公演、満員御礼の3日間で感謝です。この繋がりを元にこれから定期的にRosasが日本に来れると良いです。そして軌道に乗れると新作もシーズン内に日本でオンタイムで観れるようになるかも、そうしたら良いですね。photo : Keizo Maeda

20923_10152962105319317_2776533794100529058_n

ドラミングのワークショップは、とても有意義でした。特に今回は一般の方達とのドラミングのワークショップの企画が出来たので、芸術劇場の皆さんと参加した皆さんにはとても感謝です。photo : Hihohisa Koike

IMG_4853_s

amnessの神戸公演もありました。10ヶ月振りの公演だったけど、良くなっていた。この作品はどんどん良くなるのかも。次は来年なのか、3年後なのか…5年後なのか…それでも出来ちゃう気がします。そういう作品のようです。

IMG_3944

FullSizeRender

ぐりとぐらみたい。

imgres

3日間だけだけどRosasのソウル公演にも行ってきました。ここでもワークショップをやったり、Rosas danst Rosasのリハーサルダイレクターを務めたり… もう10年前だったんだ…前回の来韓は…随分変わっていました。英語もばんばん通じたし。小洒落た街になっていました。

次の日本帰国は7月です。早稲田の演劇博物館が企画する、Re:Rosasのために教えに行きます。詳しいことは近々お知らせできると思います。夏休み中の企画なので7/24,25,26日です。アーキタンツの方でも企画があるのですが、これは小学生以下となります。どちらも近々ちゃんと告知しますが、どちらも一般対象です。

ただの近況報告になってしまいました。ここには書けないその他のことは記憶に残しここに書けることは記録に残します。

無力

4週間に渡って、ゲントにあるコンセルバトワールの演劇科でクラスを教えた。   教えたというより作品を一緒に創った。テーマは『Powerlesness 無力/無権力』である。3年生が3人と院生が1人、エラスムス交流生でフィンランドから来ている学生が1人だ。女性2人と男性3人である。このテーマは私の方から出した。戦争を知らない、大きな自然災害も知らない私達は、この『無力』とどう接しているか、どういう『無力/無権力』があるかを考えてみる事にした。

1) Me and you                                                                                                                     2) Me and society                                                                                                            3)Me and nature                                                                                                                 4) Me and love/death

どこからどう突っ込んだら良いのか分からないくらい大きなテーマなので、この4つの分類の仕方がキーワードになるかもしれないと思いヒントを与えた。      4週間の間、毎日日記を書かせ翌日読ませた。これは本番中も4週間分読ませた。質問を沢山書かせた。すべて暗記させた。『答えはいらない、質問を持ってこい』と伝えた。最初の2週間はテーマに関するアクションを考える事も宿題にした。    朝は私が日頃やっているパートナーワークやボディースキャニングも教えた。                                    彼らの日記を毎日聞く事、パートナーワークをする事でお互いの距離感が縮む。

ルースという二十歳の女学生が毎朝目を腫らして登校して来る。その子のお父さんは丁度1年前に森で自殺をしたらしく、今でも頻繁にその発見した時の情景を夢で見るらしい。しかし今回がその事件後初のちゃんとした公演参加だ。『お父さんを森で見つけた時、叫びたいのに泣きたいのに声が出なかったの。あの無力感を身体で現したい』そう私に言いに来た時は、とても驚いたが、彼女にとってこれをまず、なんらかの形で表現する事は、表現者を目指す者としても隠し続けてはいけないことなので彼女の意思を尊重させる。

ベルギー政府が色んな予算削減を発表し、このゲントに通った時期に4回ものストライキで交通機関が不通になった。日頃の政府への意見やEUの事、シリアの事、アメリカの事、学校の授業方針の事、気候の事など色んな事を皆んなで話す。お祖父さんがこのリハーサル中に安楽死を選んだ学生もいた。買ったばかりの自転車がパンクする、盗まれる…トラムで登校しようとしたらストライキだ。自分の不甲斐なさやBFの事GFの事、両親の事、家族の事、ペットの猫の事など話題は豊富であった。そしてそれらを日記という形で綴られた4週間はミクロコスモスであった。

20代前半というバイタリティーのある青年達と接して感じたことは、今悩んでいる囁かな事は、ある意味で無力にも繋がる。しかし自分がそれらにどう直面し、どう対応して行きたいかが分かる事は、社会や戦争に対しても無力/無権力だと諦めずに、自分のスタンスを持てるということが明らかであった。大切だと分かった。悲しい辛い内容もあったが、どこか未来を感じさせられる若い力である。

同じ時期に日本で衆議院議員選挙があった。発言の自由も大切だが、発言したいことをクリアに伝える訓練も大切だと思った。これは日頃から討論する習慣がないと養われない。社会についてどう思うか家庭や友達、学校というまずは身近な社会で討論するそういう環境がとても大切である。こんな大切な事、学校の授業を無視してクラスで話すべきである。そちらの方が受験より大切だ。どれだけの日本の学校が、14日の翌日、今回の選挙について各自に意見を述べさせているのだろうか。そして先生達は自分の意見を言えるのだろうか。無力感は自分で作る必要はない。

ベルギーの予算削減の中に文化芸術関係の予算削減も含まれている。モネ劇場でダンスが企画されないことが大きな話題になり、ローザスのモネ劇場との企画もなしということが大きく伝えられたが、これでローザスが破綻するわけではなく、ローザス以外に破綻するカンパニーや居場所がなくなるアーティストの方が多いのは、経済世界の仕組みと同じだ。

ストライキ中、仕方なく車でゲントまで通った私だが、夜、久し振りに高速道路を走り、あんなに自慢だったベルギーの高速道路の道路照明灯がインターチェンジだけしか灯っていない事に気付いた。日本は再稼動に向かっているが、エネルギー問題は補給だけではなく節電という考えもあるなぁ…と思いながら帰途した。

IMG_3408.JPG

ドラミング

Drumming 1998 © Herman Sorgeloos 21998年夏ウィーンでこの作品を発表してから、今日までに何回くらい私は、この作品を踊ったのであろうか。

2004年に一度上演をストップした時点で200回は超えていたと思うので、2012年春に再演を始めた、この第2ジェネレーションとは300回近くまで踊っているのかもしれない。

そのドラミングも来年3月からは、第3ジェネレーションに譲ることになった。

残すところあと2回である。今夜と明日の晩だ。

この第2ジェネレーションとは、最初から最後まで怪我に悩まされた。
自慢じゃないが怪我をしなかったのは一番年長の私だけだ。
いつも誰かの怪我で、穴埋めや代役の子に教えたりで、この2年間が過ぎてしまった。そういう意味での環境脱出、メンバー/ジェネレーション交代でもある。
来年からは、現在のジェネレーションから4人か5人だけが参加し、残りの7人か8人は全員新しいダンサーになる。

正直言って…心配である。伝承出来切るのであろうか。

今のジェネレーションは、ローザスの別の作品にも出ているので、アンヌテレサ/ローザスの伝えたい事が分かって来ていると思う。来年から参加するダンサーは、全員このドラミングが、ローザス最初の作品なのでどう消化して行くのだろうか。その反面、私達はこれだけたくさん踊ったのだから、次の世代に渡せば良い、何とかなるだろうという思いもある。

愛着のある作品である。
ドラミング公演で行った国々や劇場、仲間達、色んな思い出……話は尽きない。

つまるところ、来年の公演はアジア3カ国と(台北、東京、ソウル)フランス公演が中心だ。
1月から振り写しを始め、初演は台北である。残念なことにミュージシャン/ライブバージョンはもうない。毎回CD公演だ。衣装はドリスがまたダンサー達に合わせて作り直してくれるだろう。

アンヌテレサと上記のような話をしたが、彼女の頭半分以上は新作のことで一杯だし、ドラミングは彼女にとって、もうレパートリー作品でしかないのかもしれない。心が引き裂かれる思いはあるが、私も自分の新作のことを考えるしかないのかもしれない。複雑である。

今夜、明日の晩、過ぎて行く時を一瞬でも良いから多く掴みたい。そして全てを忘れることによって、次の日が来そうだ。

今夏の日本でのワークショップを終えて…

今夏は200人くらいの受講生さん達と交流があった。                                 
東京ではアネックス仙川ファクトリー、田町のアーキタンツ、森下のReAction、神戸のダンスボックス、札幌の現代舞踊協会北海道支部主催のワークショップ講座と5カ所で教えさせて頂いた。
                              
今回はボディースキャニングという見えるもの見えないもの、何をフォーカスするか、イメージトレーニングなど、「見る」「見える」という視覚から身体へのアプローチ、そして身体の隅々に隙間、空間を感じる、与える事……だった。
                                      
 結果的にいうと、受講生達は自分の身体も相手の身体も余り見えていなかった。しかし、発見があった人はどんどん見える様になっていった。  

それらは、内面的な見えない身体の動きであったり、
A点からB点に移行するまでの身体に起こりうる色々な変化であったり、
私の動きをどう真似る/学ぶかと云う情報処理の問題であったり、
自分の身体に対してのフォーカス不足、
色んな経路がある時、色んなところに行ける自分を保つのではなく、一つにしか絞れない身体作りをしていたり………

意識する事で無意識が意識的になり、無意識になるまで、それを繰り返し再び意識しなくてはいけない。
それらの繰り返しだけれども、何を意識すべきか、意義のある選択が必要である。
すぐに出来る/真似出来るからと言って優れている訳ではなく、すぐに出来なくても得ている情報が、その人に取って有意義なものであれば、私は良いと思う。今回、ダンサーじゃない方達ともワークショップで交流があり、出来るから/踊れたから、理解出来たという事ではないのが一目瞭然であった。ある意味で、ダンサー達が出来たと思っている事の方が、それらは怪しいときもあった。

出来ていないのに出来ていると思っている人と、出来ていない事をどう出来ていないかと認められる人の違いは大きい。
沢山集中する事、瞬発力のある身体作り、高く飛べたり、沢山回れたり、難しい振りを早いテンポで踊れたり、ご飯を食べるのを忘れるくらい練習する美学……ちょっと違う気がする。
周りがよく見える集中力、弾力性があり、通気性のある身体作り、ご飯はちゃんと食べ、しっかり休む。
風が吹いたら一緒に揺れ、水が流れたら一緒に流れる、そういう身体が良いよね。

価値

ローザスのニューヨーク公演から戻る。今週末はワークショップとクロスグリップx2の発表の為に日本へ出発だ。時を追っかけているのか、時に追っかけられているのか分からなくなる。   ニューヨークでは、ローザスの80年代の作品、「Fase」「Rosas danst Rosas」「Elena’s Aria」「Bartók/Mikrokosmos」の4作品からなるEarly Worksを10日間に渡りLincoln Center Festivalにて発表した。これらの作品のすべては、アンヌテレサがまだ20代の時に創ったんだと思うと改めて感心する。(もちろん私も20代だった訳だが……)
 
 ニューヨークでは、以前一緒に仕事をした、Nature Theater of OklahomaのPavol LiskaとKelly Copperに会えてゆっくり話す事が出来た。彼らは今年、10月のグラーツ公演後、カンパニーを解散するそうだ。価値感問題やプライベート問題で仲違いが起こり、ラディカル思考のパボルらしく、カンパニーは忘れられても良い、名声も何もいらん!と解散に持ち込む事に決定。次のステップを踏むのにすべてを捨てる事を望むタイプの演出家である。「無」と言う漢字の書き方を教えてと私に聞いて来たくらいだから、まだまだ迷いや怒りや不安や、その他もろもろはあるのだろうけど、「無」と言う漢字をなぞりたい心境なんだろう。何も計画がない、今後が分からない、何も分からない事を敢えて楽しみたい。しかし作品を創り続ける野望は沢山あるようである。

 アンヌテレサとも話す機会があった、話合いは終わってないので、明日か明後日、食事でもしながら続きを話さなくてはいけない。彼女との場合はパボルとは真逆だ。2年〜5年後の計画の話である。「そんな事分かりません、今は考えれない、考えたくない」は、返事になっていないと言われ、これには少し辟易状態である。ローザスと言う工場の様になってしまったカンパニーは、誰かが怪我をしても病気をしても運営されなくてはいけなく、ダンサーよりその周りを支えているスタッフの数が倍になっている。この2シーズン、ドラミング公演は再演から今日まで常にダンサーの怪我に悩まされた。キャストを一新して若いメンバーに教える計画が決定。失う作品の質と伝授出来切れない作品内容、ダンサーのモチベーション……私がアンヌテレサに話したい事は尽きない。レパートリーとして作品を残し伝授する事をどう思うか、カンパニーにとってどうなのか、社会にとってどうなのか、まだまだ話合いが必要である。あと、一番厄介なのは、アンヌテレサ自身は新作を創り続けたく、レパートリー教育を私達OBに任せている事だろうか。まぁ…アーティストとして分からないでもない。私も教えよりダンサー/舞台人でいたいのである。

ニューヨークのアーティストは日本の環境と似ていて、国からの支援が乏しい。或いは全くない。それに比べて我々欧州は贅沢なものである。その代わり、ローザスレベルになると、演出家の我が儘や振付家の病気での解散は勝手に許されない。自分を追い込むにしてもアンヌテレサのストレスとパボルのストレスは、何だか随分違う。

パボルの作品は、今その場所に自分がいないと、完全にアウトになる構成になっていて、here and nowそのものである。失敗をして、「どうして」なんて考える隙もないストラクチャーを与えられる。先週、アンヌテレサと舞台に立って、一度に3つくらいの事を考えながら踊っている彼女には、「私と一緒に踊ってよ」と言いたくなる時が何度かあった。それはそれで何だか彼女の立ち位置が可愛そうだった。

このニューヨーク滞在は、踊る価値、生きる価値、何を捨て、何を守りたいか、色々と考えさせられた日々であった。

学ぶ事は学んだ量ではなく、学んだ事により、どう進化するか、自分を変えたいか、変えれないか、そう云う認識が出来る事なのかもしれない。

さて、来週の今日から日本でクロスグリップのリハーサルが始まります。ワークショップも御陰様で色んなところで開催され、日本の皆さんと交流する機会が持てそうです。

ººººººººººººººººººººººººººººººººººººººººº
8月2,3日アネックス仙川ファクトリー

tel:03-3309-7200 

8月12,13,14,15日アーキタンツ、ローザス・ダンス・ローザスWS

http://www.a-tanz.com/dance/2014_08_fumiyo.html

8月16日クロスグリップx2、WSショーイング

http://www.a-tanz.com/dance/stpf_vol5_top.html

8月17日アーキタンツ、ローザス・ダンス・ローザス椅子のパートWS

8月18,19,20,21,22,23,24日森下/東京国際ワークショップReAction ドラミング

http://dtludens.jp/pg17.html

20140720-130538-47138208.jpg

【みる】ということ

 ここ数年、【意識と無意識】という言葉がキーワードで、それに伴ったワークショップや、それが作品創りの一つの出発点だったりしている。人間の記憶に伴う行動の90%は無意識に働いており、意識しているのは10%である。時にはその数値が99%にもなるらしい。  自分がどういう事をどれだけ何も考えずに行動出来ているか、服を来たり歯を磨いたり、階段を上り下りしたり、中には自動車を運転する等、学習して取得したりしたものから、毎日の習慣でいつの間にか出来ているものもある。見えてなくても出来る事もある。見てなくても出来る事もある。一度に二つも同時に出来る事もある。呼吸だって無意識に行う時もあれば、意識的に呼吸する時もある。教えて貰った事もあれば、自分から学んだ事もある。そう云う自分の習慣や癖はダンスをする時、振付をする時にも現れるもので、そう云う自分の行うでだろう習慣や癖にフォーカスを置いて、それを批判するのではなく、認識する過程を設けたいと思った。捨てるにしろ、捨てないにしろ、それらが何か自己確認が出来なくてはならない。新しいものを受け入れるにも、新しいものを創るにしろ、それに必要なスペースが必要だ。そう云う事をいつも頭の片隅に置きながら踊って来た。

ある本との出会いで【複雑系】という考え方の中にある、鳥や魚の群れがどうお互いに打つからずに移動出来ているかの習性を読んだ。 我々は鳥や魚のように目が横には付いてはいないから、見える範囲が狭いが、その前方180度のペリフェリック以外は、首を動かせば見える範囲が広がるが、見えていない部分は、別の回路を使って見ているのだろう。脳の別の部分や心の目や習慣や記憶というところで… オステオパシーの先生と最近いくつかのイメージトレーニングの練習をした。彼はクラニオセイクラル・セラピストでもあり、細胞単位としか言えない練習である。細胞なんて見えない。イメージするだけである。本来見えていない身体のほんの少しの筋肉や筋を解放させる。全部の筋肉を使うのではなく、一つだけ緊張させたり緩めたりさせると云う、高度な集中力が必要なものであったが、かなりリッチなトレーニングである。

【みる】この事にフォーカスする。見えるもの見えないもの。自分の身体の中に集中させる事、意識を外に向ける事、その二つは繋がるのだろうか。その鍵は【意識と無意識】に戻るのかもしれない。つまり意識している記憶と身体の記憶に繋がるのかもしれない。

−−−−−−−−−−

今年の夏はいくつかの場所でワークショップを行います。そう云う今、私が気にかけている事を中心に一緒にリサーチしたいと思います。あと、日本では初めて時間をかけてローザス・ダンス・ローザスを教えたいと思います。私はダンサーに教えるのも好きですが、実は初心者やダンサー以外の方と時間を共にするのが大好きです。ここ数年、定期的にアーキタンツ等で、私のワークショップを開催する機会を頂きましたが、来年からの事は全く分かりません。来年からのスケジュールの関係で、次回はもうしばらくないかもしれません。暑い夏の時期ですが、私と一緒に踊りませんか?

http://www.a-tanz.com/dance/2014_08_fumiyo.html

ローザス・ダンス・ローザス

Rosas danst Rosas は1983年5月6日のブリュッセルが初演だ。もう今年で31年目になる。   

今は、このスペインのグラナダで公演中で、私達のジェネレショーンもこの街で踊ったし、第2ジェネレーションもこの街で踊り、今週は第3ジェネレーションがこの街で踊っている。初演から数えて、私達第1ジェネレーションは当時200回は公演し、第2ジェネレーションも150回は公演した。今現在のジェネレーションも100回公演をすでに突破している。私は今のジェネレーションのリハーサルダイレクターをやっているので、100回以上の公演を観た事になるんだ。

ある同じ服が時代を超えても、どんどん着られて行くのに似ている。着る人が代わり、観る人が変わり、時代が変わる。しかし、素材の良い服はいつまでも新しくその時代に適応して残って行く。

今から、20回くらいの公演は、ダンサーの怪我の関係で、第2ジェネレーションと第3ジェネレーションが混ざる。どのジェネレーションもたくさんの数の公演をこなしているので、それぞれの雰囲気や特徴がある。ダンサーが変われば同じ振りでも色が変わるものだ。そして各ジェネレーションには、その頃の動きに対しての考え方、もちろん指導しているアンヌテレサや、私のその時の何に重点を置いているかなどが現れ、同じ作品なのに作品に対してのフォーカスが変わる。アンヌテレサはどのジェネレーションとも踊っているし、私も教え子達の第3ジェネレーションと何度も舞台に立った。もう20代の頃のようには踊れないし、踊りたくない。観ているお客さんもあの頃とは違う、あの時代とは違う。一緒に踊っているダンサーも、私が当時踊っていたダンサーとはまったく違う。それでも、この作品は、色んな国で上演され今日も再演され続けている。この作品の様にコンテンポラリー・ダンスで、500回近い回数を上演出来ている作品はあまりないと思う。それも同じ劇場、同じ街というケースも多い。

新しい作品を商品の様にどんどん創り上げなきゃいけない、そういうシステムは何か変である。それを求めている制作側もそれが当たり前と思い始めている観客もだ。その反面、新しい作品を創りたいのに資金が見つからない、稽古場がない、それも大問題である。せっかく創った作品を1回切り、或は多くて数回公演でおしまいというのもかなり辛い話だ。                      
舞台作品は、上演する事で育って行く、初日から100%完璧なんてない。あってはいけない。そういう風にお客さんも理解すべきだ。それが生の舞台であり、展示場に飾られた絵とは違う。舞台とは完成も完璧も存在しないとても不思議な無限の可能性がある空間である。画像

 

初春

いつの間にか、もう3月である。                                                                                                    

暖冬のベルギーは、もうすぐ林檎の花や桜が咲きそうだ。小春日和と共にすべて忘れてしまわないうちに少し書いておこう。

 
2月7日に故郷の福井で、大宅さおりさんのピアノと、Ray Iwazumiさんのバイオリンで「意識と無意識の間に」 というタイトルでダンス・コンサート公演を行った。                 
この劇場は何と私が、ダンスを初めたお稽古場があった場所で、「鮭が産まれた場所に戻って来た」そんな感じであった。産卵はまだ出来ていないので、これからの課題であるのかもしれない。 
ここでは、新しく創ったものもあれば、すでに発表した振り/動きを着せ替えたり、違う曲でやったり、レトログレード(振りの逆送り)だけを使ったりした。                        
毎回、新しくものを創り発表するのは、必要ないじゃないかと云う事と、既にあるものを利用したいという言い訳と願望がある。本当は一つの動きをもっと原子単位になるまで、分解したいのが本音である。踊りの振りも消費者文化に、流され連れて行かれたら、たまったもんじゃない。     
th2_1P1A8556DPP

th2_IMG_3043DPP
     
その後は雪の東京に戻り、ワークショップを行った。2月15日に行われた、1日舞踊大学講座は考えさせられる事の多い1日だった。どうして踊るの?踊りって何?という原点にも繋がる内容で、自他、社会に繋がるコミュニケーションとしてのダンスの深さや大切さを感じる講座だった。    
そしてベルギーに戻りamnessのオステンド公演。4ヶ月間凍結されていた、この作品をゆっくり解凍させて、無事に踊る事が出来た。解凍する度に進化を続けるならば、凍結も悪くない。完成させる事が目的ではないので、こうして公演が続く事は進化するにはもってこいだ。

写真

         
外は小春日和、まだ終わっていない先月からの洗濯と、時間のかかるオーブン料理をやりながらの素敵な日曜日を過ごす。

                  © H.Koike / © Un Yamada

Cross Grip / クロスグリップ

「クロスグリップ」のトライアウトが終了。ダンサーの川合ロン、木原浩太、畦地亜耶加と私の4人だ。毎朝平均2時間半の7日間のリハーサルで仕上げた。この僅かな時間なのに、3人の集中力とセンスがあったからこそ出来たトライアウトでもある。

鳥や魚等の群れは、どうして打つからずに、同じ方向を目指す事が出来るのか。そんなことに興味が湧き複雑学を齧る。たった4人で群れの習性を出すのも何だが、お互いに打つからない事、同じ方向、同じ速度、群れの中心に向かう、つまり、回避/整列/結合の基本ルールがこの群れの動きに大切だそうだ。 この基本ルールを使ってのダンス構成は、まだまだこれからも研究が必要である。このパートはライヒのElectric Counterpoint を加藤訓子さんがマリンバヴァージョンにアレンジした素晴らしい作品を使わせて頂いた。2番目の曲はペルトのSpiegel im Spiegel 余りにも有名な彼の曲だが、この訓子さんのヴァージョンが「Infinty of Image 」により近づいていると思う。万華鏡のイメージを観て感じてくださった方も多いと思うが、私も同じイメージである。

ペルトは自身の作品を「プリズムを通過する光によく似ている」と語ったそうだ。確かに彼の音は聴く人達に色んな色を見せる。

「クロスグリップ」は、助走を始めたばかり。これからどう発展していくのか、加藤訓子さんとの共演を目指して、これからも少しづつクロスして行こう。

 

Between the conscious and unconscious / 意識と無意識の間に

35年振りの地元福井公演です。最後に踊ったのは高校1年生の時のフクバレエ研究所の発表会でした。今回はピアニストの大宅さおりさん、バイオリニストのRay Iwazumiさんとの共演です。これを機に県外の方も是非福井にいらしてください。画像

のんびり

明けましておめでとうございます。2014年もよろしくお願いします。

過ぎ去った時間を思い、これから来る時間を思う。これからのテーマは「のんびり」にしよう。それは忙しかったから、忙しくなるから、そう思うのではなく、物事や自分、周りの人に対して急かすのは止めようという事です。いつも気にしている、「意識・無意識」「失うこと」「記憶」「些細な事」にも影響しそうです。

「時間の使い方は、習慣や性格や躾から育まれるが、今からでもチューニングダウンが出来るなら試みてみたい。時間だけではなく物事に対するリアクションものんびり出来たら良い」

「自分は左利きだったのではないか?という名残の発見をいくつかした。本来はのんびり屋さんなのかな…という発見もした。躾や習慣でそうなったのなら、まだ再開拓する見込みはあるかもしれない」画像

 

今年が皆様にとって素敵な年でありますように!

 

 

 

レユニオン島から…

今夏はうんちゃんとamnessのクリエーションに明け暮れて、気が付いたらいつの間にか初冬。そして、ここレユニオンは夏なので、もう一度季節を逆戻りしている気分である。4ヶ月振りに会うローザス・ダンス・ローザスの女の子達も、それぞれ新作を創ったり、失恋したり、新しい恋に巡り会ったり、引っ越ししたり…と話に尽きない。

こういう避暑地に今頃遊びに来る人達は、それなりにゆったりしていて、同じ空間にいてもイライラしない。すべてが長閑に流れて行く。待つ事の苛立ちが、ゆとりに変わる。

 

画像

 

先日観たローザスの新作Vortex Temporumのこと、amnessのこと、今後のこと等をぼっーと思い出し、考えるにはいい環境である。amnessの感想で多かった、「二人の関係性は?」という「関係性」という事に付いてもう一度考えてみる。そういう意見になりやすい創り方をした私達に非があるのか、そういう考え方になる、そういう見方をする人達が特殊なのか。

分析など必要のないものを創りたいものだ。

ここレユニオンで見える月や星達は落ちて来そうなくらい私達に近い。

北半球で見える月も南半球では全く違う方向を向いている、「関係性」なんてそんなものなのかもしれない。

出産前

あと10日でamnessの初演です。快適な天気でベルギーには珍しい夏でした。夏にスタジオに籠るのも楽しかった。9月に入ってからも秋晴れの日が多く、これはどうも晴れ女のうんちゃんの仕業の様です。

編んで編んで、ほどいて、編み直して、緩めて、また編んで、でも完成はなく、いつまでも完成はなく、完成させるために創っているわけじゃない…そんな作品になって来てしまいました。(いつもの事だけど…)

先日からミュージシャン達/BL!NDMANとのリハーサルも開始。音のテンポもニュアンスも何でも来いです。「絶対毎回これで」というテンポはなく、CDではないので、その日の、まぁ色々な事がある、起こる…そんな状況、状態をお互いに受け入れられたら良いです。

スタジオで育った、私達だけのものだったamnessに、これから生演奏が入り、衣装も出来上がり、照明も入り、お客さんが観に来てくださる。そして、私達が感じていたamnessに他の人の考えや想いや迷いや色んな感情が混ざる。そういう日々がやって来ます。

作品も子供も生まれてしまえば、どんどん勝手に育って行くものです。

私の娘が初めて一人で歩き出す頃、どう見ても歩けると確信があるのに一人で歩かなかった。「こっちにおいで〜」と言って彼女の前に立っても来ない。ある日、娘の後ろに立って、「はい、どうぞ、歩いて良いよ〜」と言って手を離したら、一人でぐんぐん歩いて行き、それ以来、今でも娘はぐんぐん一人で歩いています。

作品もそんなものかと思います。

衣装を毎回変える事は出来ないけど、毎回違うものを着ているように踊れたら良い。照明もそうだし、振付もそうだと思います。

1+1=2ではないように、私とうんちゃん=私とうんちゃんのままです。

今のところ自然分娩です。

画像

 

 

©Hirohisa Koike

作品の見方

この週末は3日間毎晩、作品を観るために劇場に足を運んだ。創作中に劇場に行き、他の人の作品を観るのは非常に難しい。面白くなくなると集中力が切れて、自分の作品や自分が踊っているシーンを目の前の舞台を観ずに、その舞台を借りながら自分の事や別の事をシミュレーションしてしまう。そういう悪い癖を持っている。

自分のスタイル的なものを築き始める頃は、ああだこうだと言われ、自分もああだこうだと言い、ああだこうだと言われているうちが良い気もする。そして毎回ごと進歩が見られ進化がある様な錯覚がする。錯覚?何を基準としているのだろう…自分のスタイルの認識もないのに。本当に進歩進化はあるのだろうか。そして他の人がご親切にも、勝手にスタイル化/グループ化してくれている気もする。どうやらカテゴリー化には安心出来る風潮があるらしい。

巨匠であろうが無名であろうが、何歳であろうが、自分には譲れないもの、納得したいもの、気になるもの、ただ単に好きなもの、嫌いなもの等……は、そんなに大変化をしないような気がする。稀に性格も人生も突拍子もなく変化を遂げる事が出来る人もいるのは確かだが…

自分の好きな事を思いっきり舞台で出来ている人を観るのは観れるのは一番清々しい。私も好きな事を目一杯我が儘に披露したい。

好きも嫌いもその人自身だから、それらすべてを受け入れるという意味で、その人の作品がどうかというのは二の次になるくらいの説得力がある作品が最終的には好きだなぁ。

 

 

 

 

些細な事

些細な事はアンテナを立てているから気付くという人もいるが、不意打ちの様に出会ってしまう些細な事の方が多いと思う。人間の記憶の無意識と意識の比率が95%と5%なら、アンテナのおかげで気付くのは5%で、不意打ちを食らう様に出会ってしまうのは95%だろうか。

些細な事、それらは本当に僅かな刹那な風景である。失敗であったり、失言であったり、忘却であったり、想い出であったり、香りであったり、音であったり、感触であったり、味であったり、déjà vu であったり…

記憶と結びついている時と、記憶に結びつかない時がある。それとも記憶に無いという記憶なのだろうか。遠い昔を思い出させる何かとか、つい先日の答えを出してくれている様な何かとか、どんなに眺めても、もう一つ記憶のパズルが足りない何かとか、或はどんなに自分の人生を早回しで思い出しても、未経験の前代未聞の信じられない様な事、人、話、味、音、感触、におい…その他の色んな事…

道を歩いていて、ふと立ち止まる。ふと振り向く。それは素敵な人かもしれないし、美味しそうな匂いかもしれないし、お店に飾られた素敵な服かもしれない。或は浮浪者であり、ゴミの山であり、誰かの落書きかもしれない。犬の糞かもしれないし、蟻の大行進かもしれない。或は、どこかで見た事があるけど思い出せない人かもしれないし、喧嘩中のカップルかもしれない。名前も忘れていたヒットソングが、不意に聞こえて来た瞬間に思い出す、当時の事かもしれない。実家の匂いに似た何かかもしれない。

バッハの曲には曲名も知らないのに、懐かしい何かを思い出すような、そういう良さがあるよね…と母と今日話した。バッハの時代は録音する事など出来ないので、聴いている人が覚えられる、一緒に歌える旋律を作っていると話してくれたピアニストがいた。

「はっ!」とする何かは、その状態から落ちる速度と温度が違うだけで、ある種の感動には変わりないのだろう。

大きな感情を一つに固めるのと、些細な感情を集めるのでは、些細な事の方が良いなぁ。

一つというのは危険だ。些細な事を集めた方が良い。そして集め切れないのが良い。

amnessのクリエーション中。そういう些細な、でも「はっ!」とする何かが、この作品の中にあると良い。それもお客さん各自が、それぞれ違う場面で「はっ!」っとしてくださるともっと良い。そのためには象が舞台を横切る必要もないし、宇宙人が舞い降りる必要もない。

 

 

amness的な日々2

トラックが16まである。必ず使いたい曲は、いくつか確かにある。でもamness的には何でもありなのかもしれない。毎回変わっても良いのかもしれない。そういう事が許されるのか、そういう事をやっていいのか、でもそういうワクワク感、ドキドキ感、私達をその反面、不利にも有利にも出来る環境がストラクチャーの中に自然に入り込ませる事が出来ると良い。

うんちゃんの絶対感と儚さ、強さと弱さは圧巻で、毎日沢山練習しようが、しまいが関係ないようである…誰かに似てると思ったら、アンヌ・テレサだった。不器用さが良い勝負だ。

時間は流れていなく、時だけがある。そういう空間の中で踊る。時間は刻まれているけど、時が存在しない、そんな空気が漂っている。

創るのではなく、編み続けている、フィックスしているのでなく、逃げ道をこしらえている。編んだ先からほころびて行くような、塞き止めた先から漏れて行く様な、そんな作業を選んでしまったようだ。

安定させないでどんどん動いている土台が、バッハと共に動き、水の様に流れ、風の様に彷徨う…

思い出すから記憶に繋がるが、繋がらない記憶は、思い出せない記憶は、身体の何処に、空間の何処に、隠れてしまうのだろうか。時間はどんどん進むので少しも待ってくれなくて、無意識以外の不思議な感覚と存在しない時が目に見えないものとしてざわめく。

 

amness的な日々

今、私の毎日の日々は、うんちゃんと踊る、10月初演のamnessのリハーサルに、すべての時間が流れています。

amnessは、結果ではなくその状態。

amnessは、間違いもなく、批評もなく、先に進むしかない。

amnessは、奇跡、偶然、直感と我が儘。

amnessは、他力本願。

amnessは、いつも同じで違う事を繰り返す事。

amnessは、秘密だらけ。

amnessは、見えないもの、聴こえないもの、触る事が出来ないものを編む事。

amnessは、儚く、歪んで、私にも良く分からない、気になる、におい。

そして、誰かのために踊れるからこそ、ダンスだと思う。

アムネス的な日々。

 

両立

「恋愛・結婚・出産・育児…それらと自分がやりたい仕事の両立は出来るか」と云う話しが出たので、自分なりにもう一度考えてみる。結論から言うと私個人の経験から、すべて100%こなすのはとても大変である。仕事もパートや、ただ稼ぐだけではなく、一線でバリバリやる。子供がいるからというエクスキューズとかはなしで…と云う意味である。

これは、環境と犠牲と信頼と放棄のバランスである。これらのエッセンスを少しずつ混ぜたら両立は可能かもしれない。あとはもちろん経済的状況もある。

これは私の経験であり誰とも比較出来ないが、私には娘がいる。彼女をかなり犠牲にした。怪我をして救急病院に運ばれても、熱を出して倒れても側にいてあげれなかった。第一彼女が私を欲する時は、多分いつも側にいなかったかもしれない。しかし、彼女は私の舞台姿が好きだし、誇りに思ってくれている。彼女の「今日の舞台も頑張ってね」は、一番のビタミン剤だ。「ママがいなくて可愛そうね」が一番聞きたくない言葉だったという。「ママが一番好きな事をしているのを見るのが一番好き」と言ってくれた。

家には1年の半分以上いないので家の事は出来ていない。かなり前にギブアップしている。もう15年以上、自分で掃除をしていない。掃除をして貰っている。専門の人に毎週来て貰っている。主婦も止めた。離婚した。これにはまた別の理由があるけど、お互いもっと素敵な関係を続ける為には離婚が一番健康的だった。それでも家族という事には変わらない。私と前の夫が夫婦じゃなくなっただけだ。

育児にもかなり出費が出た。私が始終いないのだから、万年ベビーシッターが必要だった。ツアーにも小学生低学年までは出来る範囲どこにでも連れて行った。娘は4歳でアメリカ横断公演を経験している。舞台袖で寝かせ、ゲネも本番も観せ、楽屋で遊ばせ、夜遅く食べに行き、また翌日違う街に移動する。そんなツアー生活を私といれるからと、娘は喜んでついて来た。ローザスのダンサー達にも沢山可愛がって貰った。

すべて完璧にこなそうとすると無理が出る。諦めれるものは諦めた。放棄した。出来ないという事にした。やりたくないという事にした。

一線でやり続けるには犠牲にしなくてはいけない事が沢山あり、すべてに良い恰好しいでは、そのレベルで終わってしまう。妥協するものさせないもの、犠牲にするものしたくないもの、そこら辺の判断と決断なんだと思う。

経済的に恵まれていたとしても、娘の寂しさは報われなかったと思う。

こういう極端な生活の仕方や考え方が日本で出来るかどうかは分からないが、経済的にすべて整ってから結婚すべきとか、出産を考えなくてはいけないという、環境や建前や習慣は良くない。そういう社会も良くないが、一番の問題は自分達の頭の中だろう。今日明日変わる事ではないというのは分かる。少子化問題を悪化させている理由でもある。結婚をしてから子供をつくるという考え方もおかしい。女性の社会進出も出産後すべて空中分解なら、どこをどう見て経済大国日本なんだろうか。

フランスやベルギーには少子化問題がない。カップルの全員が結婚していない。子供がいるカップルも皆が皆、結婚していない。結婚という価値に頼る必要がないんだと思う。

両立は大変だが、自分の仕事を家族に認めてもらい、出来る事、出来ない事を言い、時には思いっきりやっている事を保留してバカンスを取る。そういう素敵な生き方をしてる友達が周りに沢山いる。

時間がないのではない。時間は自分で作るものだ。

今日娘は高校を卒業式する。私はロンドン公演中なので、ロンドンーブリュッセルを往復する時間は作れず、やはり卒業式には出席出来ない。

 

 

 

Mission

今、ドイツのハノーバーで行われているフェスティバルにNine Fingerで参加中だ。今回のこのフェスのテーマはコンゴ/アフリカ。私達の作品Nine Fingerは少年兵を題材としている。アフリカの話だとか、アフリカの少年兵の話しだとか、はっきり言わないけど、知る人、思いのある人にとっては、まさにそういう内容なのである。

何度も言うが、私は1つのテーマや私の答えを訴えるつもりもないし、それを押し付けるつもりもない。お客さんが感じた事がこの作品のテーマや答えである。或いは答えがないのかもしれない。あなたが感じた事はあなたの意見なのでそれは尊重したい。それらは私と同じである必要がない。

コンゴ人達がフェスの中に沢山参加している。彼らも作品を観に来てくれた。家族の中には少年兵になって、今も復帰出来ていない従兄弟を持っていると話してくれた人もいた。地球の裏側の話と言ってしまえば、それでおしまいだが、演じている私にとっては、アフリカの少年兵だけではなく、自分の街で起こってもおかしくない、形を変え同じ様な問題が起こっているかもしれない。そういう大きな意味で演じているつもりだ。

一人のコンゴ人が言った。身近過ぎるテーマであり、全く改善も解決もされていない、どうしょうもない社会問題なので、観ていて辛かった。

私達外国人に、このテーマで作品を創る資格はないのだろうか。私達だから出来る事もあるのではないだろうか。

7年前にこの小説:Beasts of No Nation /Uzodinma Iwealaで作品を創ろうと決めた時、私達はこの題材を使う事に対しての責任を取れるかに付いて沢山話し合った。アーティストとしての役目。私達に出来る事。距離感。フィクションとノンフィクション。

今回この作品を再演する事にした、大きな理由の一つは、この作品には、この問題を「伝える」と言う使命がまだ残っているのではないかと云う事だ。この問題を解決してほしいとか、彼らにも未来がある、未来がもうないとか、そういう事を伝えるのではなく、「少年兵がいるんだよ」と舞台の上から、私の出来る立場から、伝えるという使命があるのでないかという責任を思い、再演する事に決めたのである。

舞台に立つ表現者、その他のアートで社会問題を取り上げるのは、非常にインパクトがあり、多くのアーティストが意識し自分の作品の中で表現し訴えている。複雑な思いに繋がるのは、必ずしもこのような社会問題を取り上げないと最近は作品として受け入れて貰えないくらい、ヒットし社会もアーティストにその風潮を求めている事だ。これは今始まった事ではないが、今またその風潮が充満している。日本でいえば、2年前の東日本大震災がそれであろう。

大きなテーマがどんどん狭くシャープに突き刺さるだけではなく、そこからどこに繋がるかが大変に難しい。

私からは個人的に解決策も自分の意見もない。出来ない。ただ現在進行形で演じるしかない。

 

 

フレームの中、フレームの外

色んな劇場に行く。週に何カ所も違う劇場に行く時もある。その中で踊る。その劇場からはみ出たい自分がいる。まずは収まり、すぐにはみ出たい自分がいる。写真を撮られる。外に出たい自分をフレームの中に閉じ込めようとする写真家がいる。彼らのフレームの外に出たい自分がいる。映像を撮られる。やはり私をフレームの中に収めようとする。外に出たい。私は舞台に立つ時も、カメラマンがいる時も、その何だか分からないフレームの外に出て踊り続けたいし、そのフレームの外にある世界に繋げたい。せっかく外にはみ出しているのに、カメラマンは私の事を綺麗に、無理矢理、彼らのフレームの中に収めないでほしい。私は努力してはみ出す事だけを考える。

パリ公演

2週間パリのThéâtre de La Villeで公演中です。1週間目は84年の作品、Elena’s Aria、2週間目は98年の作品、Drumming です。85年に、このElena’s Aria を上演した時は、客の半分が怒鳴りながら途中で帰って行った事を昨日の事の様に思い出します。新聞に批判記事を書いた人までいた。アンヌテレサやローザスがと云うより、劇場のディレクターへの批判記事だった。本番中に金を返せとか、家に帰って寝た方が良いじゃないかとか叫んだ人もいた、チケットを千切って舞台にバラまかれた、小銭を舞台に投げた人もいた…でも、前ディレクターのヴィオレット氏がこの作品の事を信じてくれて、次のシーズンもプログラミングしてくださり、86年に再演。そして月日が経ち、今年再再演である。ヴィオレット氏は引退したが、今日わざわざ観に来てくださり、あの当時の話に花が咲いた。

私達欧州のダンサーにとって、パリのThéâtre de la ville 公演はやはり少し特別です。生意気なパリジェンヌからブーイングされた経験が山ほどあります。Ottone Ottone という作品の時は、ブーイングする客とブラボーと叫ぶ客同士が喧嘩を始めて大変な事になりポリス沙汰にまでなった。色々叫ばれたり、ブーイングされたから、私の心臓にかなり毛が生えたと思う。

明日からはライヒのDrumming 生演奏ヴァージョン。この作品はきっと、この垂直に上がる客席の上の方から観ても見応えがあるのではないかしら。ストラクチャーがよく分かると思う。

この劇場を支えている裏方さん達にも感謝である。しっかりしたテクニシャン達、衣装担当の方達、必ず1週間以上の滞在になるパリ公演だが、いつも快適に過ごせています。

20130520-004339.jpg

Situmulation

友達、知人のミュージシャンと喋る機会があるといつも刺激される。何かが確実に前進する。それらは、かれらの考え方であり、創作の仕方であり、プランであり、生き様である。何か自分に悩みがある、ミュージシャンと喋る、何かが解放される。音が空間を散る。私達の笑いも空間を散る。すべてが音楽になる。音になる。

 

 

 

Title

タイトルを付けなきゃいけない。まさにまだ産まれていない子に名前を与える親の心境だ。ミュージシャンのアルバムに付けられるタイトルや曲目名、小説等の本に付けられるタイトルの上手さにはいつも脱帽される。でも私にもタイトルに対しての考え方があり、一般の人が求めているものとは違うのかもしれない。

タイトルとは、テーマを一括したものである必要がない。タイトルにもテーマにも通気性が必要である。押し付けてはいけない。自然に受け入れてしまうものであり邪魔になるものであってはいけない。

テーマと同じで深く分かる人から、表面的に納得出来るものを沢山求める人がいるだろう、観には来なかったけどタイトルは見たという人もいるだろう。しかし、タイトルは断言するものではなく、単刀直入ではなく、何か現在進行形的な広がりを持つものが良い。

作品を観た瞬間、その作品は観た人のものになり、その人が感じてくれる事がテーマになると良いといつも思っている。タイトルはそんな欠片の一つで良いと思う。

すでにあるもの

何年も前に読んだ本をもう一度読み返してみる。何度でも読める本もある。何度でも聴き返せる音楽がある。どうしても捨てれない、捨てたくない服があり、大切に着る。使っているうちに、どんどん良くなる皮のコートも靴も鞄も家具も身体の一部だ。 すでにあるもの存在するものを見直す、大切にする、磨き直す、洗濯してあげる、色んな思い出と共に読み直したり、聴き直したり眺め直したりする。

いつも新しくないといけないと決めたのは、誰なんだろう。

既にあるものを使ったり、使い回しの何がいけないのだろう。

同じ作品を何度見ても、何度聴いても、何度読んでも良いではないか。

新しいものが良いとは限らないし、古いものが方が良いとも限らないが、大切にしたいものにはそれだけの価値がある筈だ。

新しい動きを見つけ、新しい音を探し、新しい線を引き、新しい味を覚えたい。新しい動きを探している事が一回りして新しいと思っている事、それ事態が古く感じたりもする。新しい音かどうか新しい味かどうかを比べるには、何か対象があるわけだ。自分の記憶だ。

自分以外の人の動きや音や線や味や色んなものを、自分が知らないという事で自分には新しく写る時、感じる時があるが、その自分以外の人に取っては、それらはちっとも新しくないものであるかもしれない。

そう言う意味では、新しいものはない。存在しない。

想像を超える様なものに囲まれて生きる事を憧れるのは分からないでもない。そう言う事が毎日の連続だと、どうなるのだろうか。

何かを発見したり、何かに驚かされたり、ワクワクする気持ちは、新品新作とは少し違う。

今じゃ映像や写真で地球の反対側までの情報が入る。30年前に初めてNYCに行った時でさえ、映画や写真の情報のせいか、懐かしくも思ったほどだ。自分の記憶している情報に対して懐かしく思ったのだろうか…

私達が発する、感じる、形容詞のすべてはどこから来るのだろう。自分を育てた環境と自分が生きている環境と自分で選んだ情報、それらすべてを感じて、ひとり勝手に、ああでもない、こうでもない、ああだ、こうだと、言っている。

空気でさえ循環し続ける。

 

 

ビックバンの時に死んだ神様

18歳の娘もこの6月で高校卒業だ。今、卒論を書いている。選んだテーマがバルカン戦争だ。20年以上前の旧ユーゴスラビアの戦争の事を書いている。どうしてこんな難しいテーマを選んだのか、私の方がため息が出てしまう。

ベルギーの大学入学にはバカロレアの様な入試はないが、勉強が厳しく、本当に勉強をしたい子供達だけが大学に進む。入試はないが、簡単に卒業が出来ないわけだ。これは義務教育でもそうで、勉強についていけなければ落第させる。小学生でも落第させる。或いはレベルが一つ低い学校に転校になるが進学は認められない。

暗記出来たら良い点数が貰え、それが頭の良い子の、日本の学校教育システムでは、今後の日本が心配である。どうしてその答えになるか、本当にその答えは正しいのか疑う、そういう勉強をしなさ過ぎる。例えば歴史の試験だ、名前と年号だけ覚えてどうなるんだろうか。それだけを問う試験は何なんだ。娘たちの試験は真っ白の紙を数枚貰う。例えばバスティーユ広場の写真がある。その場所ついて説明しろとある。フランス革命を書かせるわけだ。まさか年号だけ書くわけにはいかない。場所の名前を書くだけでは情けない。修学旅行でバスティーユ広場で騒いだ思い出が入り交じりそうだろう。しかしこのテストの場合、歴史と仏語の共同だったので、母国語じゃない仏語でレポート用紙3枚、或いは裏も使って6枚に書き上げなくてはいけなかったらしい。

アメリカの大統領選挙があった、午前中の授業は控えて、アメリカや世界の今後を討論する。国内での統一選挙のあとも同じだ。自分達でマニフェストまで作っていた。それと照らし合わせて討論だ。市長に手紙を書いて提出したりもしている。聞き入れて貰えなくてかなり文句を言っていた。高校生が一生懸命に社会に交わろうとしている。意見を持っている。頼もしくなる。日本の、社会との関係性を無視した教育システムは何に繋がるのだろうか。自分の意見を言える、他人の意見を聞き熟思し合う。それが出来る様に導くのが教育であって、1+1=2という事を疑わない教え方は考えものだ。答えは1つだけという教え方だ。絶対などない。ルールと絶対は違う。

娘は小学校はシュタイナー教育だった。宿題も試験もなかった。絵を描くのには、絵の具の原色3色しか与えられたなかった。輪郭を描いてぬり絵をする絵の書き方を知らない。高学年になって初めて貰って来た宿題もどきは、「1は何」「2は何」だった。神を信じない子なので、1は神、何てもちろん言わなかったけど、一生懸命考えてたなぁ… 彼女は「神様はビックバンの時に死んじゃったんだよ」って良く言っていた。

相棒

少しづつ少しづつ、私とステーンのナインフィンガーが出来上がりつつある。相棒が変わると同じ台詞も別に聞こえたり、強調される場所も変わる。お互いの弱さ、頑固さ、癖、意外性、色んな細かい事に毎回驚いたりもする。お客さんが褒めてくれても、自分達には納得出来ていない日も増えて来た。

黒塗の化粧を洗い落として劇場のカフェに行くと、大抵はもうお客さんが帰ってしまっている。それは30分以上もあとに楽屋を出て来るからなのか、この作品を消化出来なくて帰っちゃうのかはよく分からないが、これはこの作品の初演の時から変わらない。招待した友達からも携帯メールだけが届いたりもする。そんな事はもう全然気にならないんだけどね。

ステーンの目を見つめる。その2〜3秒の間に、色んな事を訴えて来る。その瞬間が好きだ。彼が辛そうな時も分かる様になって来た。分かるから私も辛い。切ない。一緒に舞台に立っているのに一人ぼっちである。でもちゃんと二人一緒になれる時もある。

相性は良いようである。でも相性が良いからすべて良いと云う訳でもない。これからこの作品が彼と共にどう成長して行くか楽しみである。私もどう変化して行くのか楽しみである。

影響し合う。影響されたくない事もある。慣れてしまう事もあるかもしれない。でも一緒に作品を演じるとは、どんな摩擦や化学反応が起こっても減るものあり増えるものもあるだろう。

20130401-011707.jpg

20130401-011730.jpg

20130401-011858.jpg
©Hirohisa Koike

リールにて

1ヶ月振りにホテル生活に戻りほっとしている自分がいる。8月末に引っ越して、今回初めて1ヶ月間、やっと新居に毎日住んだのに、こうしてホテルに来ると、ほっとして良く眠れる。まず、周りに最低限のものしかないのが好きだ。生活感がないのが良い。機能的で変に私に助けを求めていない。洗濯の山も食器の汚いのも見えなくていい。生活音がないのが良い。1年の半分をホテル生活で過ごしているので、家に帰るとほっとする部分も、もちろんあるが、やらなきゃいけない事の方が多い。他国で自分が外国人になるのも好きなのかもしれない。

舞台という何もない空間を、埋めたり省いたりしていると、私の私生活では、最低限の物だけに囲まれて生活したくなるようである。私のブリュッセルの部屋はホテルの部屋みたいに殺風景と良く言われる。私にとっては本が沢山詰まっている本箱も、服が沢山詰まっている洋服ダンスもある部屋なのにね…それでも何もない部屋の印象になるらしい。

今週は北フランスのリールでローザスの80年代の作品を4つまとめて発表している。80年代の作品を再演しているのである。もちろん作品によっては新しいダンサーが踊っている。しかし、新しく創るのではなく、昔の作品を伝承するという作業は、ある意味ではとても大切な事だと上演の度に感じるのある。まず、DVDでしか観ていない世代が増えてしまった。生で観て貰いたい。オルガナイザーも世代が変わり生で観ていない、生で観て貰いたい。踊っているダンサー達にとっても良い勉強になる。この事でオルガナイザーは、ローザスの新作や80年代の作品の両方を紹介する事が出来るというのは興味深い事である。売る側も観る側も踊る側もである。

毎日新しい作品、音楽、本、映画、商品等が出回り、ほんのひと掴みのものが残る。消費されないものもある。新しいものは創りたいが/作りたいが、こんなに創っては捨て、忘れられての短いスパンの繰り返しは正しいのだろうか。

本物はいつまでも新しい。

残骸

只今ナインフィンガーの再演中。新しい相棒の役者と手探り状態だが、少しづつ私達のナインフィンガーが出来上がりつつある。

これは何度も繰り返して書いたり、言ったりしている事だが、本当にこの作品に当てはまるので改めて記しておきたい。

観客に考えさせる、想像させる、間・暇・時間を与えてはならない。

答えは残さない。答えは出さない。答えを置いて舞台を去らない。

テーマは観客が好きに解釈するものであり、私達が訴える、提供するものではない。テーマは1つだけではなく、数え切れぬ程あっても良く、その分テーマなど何もないのと同じである。テーマとはテーマが必要な人の為の薬の説明書の様なもので、それが分かったからと言って作品が分かった訳でもないのに勘違いを起こしている。

例えば、これは一応アフリカの少年兵の話だが、君の隣りにだって転がっている、起こりえる話でもあり、国も人種も性別も関係ないのである。

作品の残骸は観た人々の中に残り、私は何の責任も持たずに皆の頭をかき乱すだけである。

 

off balance

踊っていてオフバランスほど、エキサイティングなものはない。

しっかり重力やバランスが取れているからこそ、探せるオフバランスなのかもしれないが、オフバランスの瞬間が一番無防備であり、儚く、危うく、まさに失われそうなバランスがそこにある。失われそうな感情がそこにある。失われそうな自分がそこにある。そして失われる。

バレエでもオフバランスを取り入れると、かなりのボリュームが出る。これらはダンスにだけに言えることではないのだろう。オフバランスを捉えることが出来る写真は少し羨ましくもある。音楽にもオフバランスがある。言葉にもある。そこら中にある。色んなものの中にある。

時は常にオフバランス中なのだけど、気が付かないうちに過ぎているだけなのかもしれない。

20130305-200705.jpg

© Hirohisa Koike

Stop

動きを止める。言葉を止める。映像を止める。音を止める。等々…これらの静止状態は、何を止めてSTOPと言うのだろうか。再び動き出すからSTOPなのであって、固まってしまったら、反応がなくなったら、STOPじゃなくてDEADだ。

一瞬のSTOPの為にギアを変える、或いは強制的に止まる、息を止める、シャッターを切る、目を合わせる、言葉を切る等々、その一瞬のあと、STOP状態でも色んなことが動き始める。

良い写真がある、今でも動き出しそうだ。良い文章がある、読んだ人の頭の中に何かが落っこちる。良い音楽がある、サイレントが音楽になる。良いダンスがある、STOPのあとは意外性がやって来る。

普通に流れていたと思っていた時間と空間と感情がズレる、歪む、止まる、そして何かを残して、また動き出す。

STOPするのではなく、STOPは生まれるといい。

 

言葉

言葉に表す、言葉にする事で力を持つ事、人助けになる事、プラスになる事がある。言葉にした事で力を失い、嘘臭くなり、信じられなくなる事もある。私達を繋いでいるのは言葉だけではないけれど、言葉はとても大切なコミニュケーションの一つだ。

言葉は発した瞬間に嘘になる。フィクションになる。なる可能性があり、なりやすい。言葉だけを信じない方が良い。

言葉に現せない事があるから、言葉に現すのが嫌だから、私は踊っている。言葉に現す事を止めた事で可能性が無限になった。同じ聞こえて来るものでも、言葉と音楽とでは、どうしてこうも可能性が違うのだろう。人の考えや想像を言葉に置き換えるには、それなりに自由なスペースがない限り、断言された可能性のないゴミと同じだ。リサイクル可能な言葉もあるけど、それは別の作業である。

それでも言葉は伝えないと言葉にならないし、伝えるから言葉になる。言葉は残酷である。言葉を答えの為にだけ使おうとするから、嘘だらけになり厄介な事が起こる。答えた瞬間に信憑性がなくなる。某テレビ局の質問にも一度答えたが、私に取って「答え」とは、「答えがない」「無限」「秘めているもの」である。

だから、私の言っている事なんか信じない方が良い。

しかし、自分の踊りや考えを言葉にする作業を避けれない時がある。敢えて言葉にする時もある。それらは一時の確認であるだけで絶対性のものではなく、完璧なものであってはならない。目に見えないもの消えてしまうものを言葉にする作業に興味がある。それだけである。

 

 

 

流れ

日本では良く、時代や人の考えや出来事に流されない様にという言い方をする。34年前に、日本を発った時も、たくさんの大人から言われた言葉の一つであった。日本では通じる言い回しかもしれないが、こちらでは逆であった。

流されるのではなく、置いて行かれるのである。

基礎/土台は根がどっしり生えないと、成長しないイメージがある。根がしっかりしていると幹もどんどん伸びて頼もしい。しかし、最近思うのは、その土台も融通が利く、土台ごと移動出来るものであるべきではないかと云う事である。同じ場所に何かがどんどんつくられて行くのではなく、つくられたものが常に移動し続ける。蓄積ではなく流動的である。

色んな流れがある。時間は常に流れているし、時代の流れもある。自分ではどうしようも出来ない流れもたくさんある。

常に消えて行く舞台での仕事をしていると、守るものもがない。守りたい自分も消えて行く。時は消え何も残さず、今、踊った動きも、発した言葉も消える。だから、一瞬の確実な自分と不確実な自分が居る。

人の心にしか残らない記憶は、どのくらい残り続けるのだろうか。

 

doing less

どうしても100%以上や150%や200%満タンの事をやりたいのが人間である。

同じ100%でも、ニュアンスを考え、コントラストを考え、強き自分だけではなく、弱き自分、どうしょうもない自分、曖昧な自分を受け入れた時点で、芸に深みが出る。確実だった部分をすべて変更させ、とんでもない課題を出す。ダンサーはパンツの中で漏らしてしまう気分だ。確実性を次々、底辺から壊して行く。上手に出来ていた事がとんでもない事になる。すべて忘れさせる。違う観念から出発させる。

踊っていない気がする、マーキングしているみたいとダンサーが言う。次の日、200%踊っていた部分を踊らなくして、自分を見つけた人だけ一歩前進する。

Doing Less…何だか怠けているようだが、とんでもない、大変な偉業である。